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回顾佐藤可士和55年历程,揭秘成功秘诀
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信息发布:征集码头网    点击次数:6558    更新时间:2021-02-19

佐藤可士和的个展在国立新美术馆举办。本次展览将思考与概念凝聚于“形”之中,同时也是佐藤至今为止的人生与工作的一次回顾。此次采访,佐藤讲述了55年来的心路历程。

展览最后的装饰主视觉作品名为「LINES/FLOW」。这是不锈钢制成的「LINE」。佐藤说:“直线是自然界不存在的概念”。还制作了有田烧陶板的版本。

决心成为创作者的美大时代

美术大学的入学考试是以实际技巧为主,所以得先去美术预备学校的冬季讲习班学习素描。第一天,老师教我们用木炭画Hermes。我起初以为这会是漫长的3个小时,然而画着画着却受到了雷击般的冲击:“这就是应试学习?太有趣了吧!”一回家就向非常兴奋地向母亲宣言说:“我要去美大当一名创作者。”。

当时,美大的设计专业是1/30~50录取率的超难关。我考了2年的多摩美术大学平面设计专业才被录取。在入学典礼上,原是预科学校的备考伙伴、后来成为好友的朋友们的欢迎词便是:“就等你呢!”,第二天我们就一起组建了朋克乐队,然后度过了愉快的大学生活。美术大学课程的课题本身也有很多。除此之外,我也会做自主作品去参赛、参展。加上还有乐队的活动,真的很忙碌。我那时对乐队相当着迷,在八王子一个人生活的时候,可以连续弹20个小时的吉他埋头作曲。大学2年级的夏天,会有那么一瞬间觉得“做音乐也和画画一样啊”。

音乐的力量让我意识到:创意具有无限的可能性

我的音乐是自学的,不会读乐谱也不会写。但是,当我思考“我为什么能作出来呢?”的时候,我发现自己是用和画画的过程完全一样的思考方式来作曲的。我在美大学习绘画和设计,所以善于逻辑性地去理解事物。决定主题、思考概念,通过视线诱导来设定表现形式。我就是用这样的方法来作曲的。为了衬托出一段旋律,加入这个音比较好,或者是在这个乐句重复之后变换旋律改变调子等,在意识到作曲其实和用色彩、形状画画是一样的瞬间,我也意识到了创意的可能性是无限的。

我意识到设计不仅仅是图形、空间、时尚、立体,什么都能做。这也是我现在工作活动的基础。音乐扩展了我的可能性。但是,因为吉他弹得太差了,就放弃了成为音乐家的梦想(笑)。在那时,博报堂被称为“半数以上多摩美术生的目标”,我怀揣着成为艺术指导的目标参加了博报堂的入社考试。

博报堂时代最大的收获

找工作必选的便是博报堂。因为艺术指导大贯卓也先生是我们憧憬的明星,觉得进了博报堂就可以做大贯先生那样的工作。但是我最初的被分配到的地方是大阪。“进入大贯团队锻炼”的梦想一下子就破灭了。但是在大阪也有了别的机缘。我用第一份奖金买了苹果电脑。我和同事忘我地讨论Mac、电脑的可能性甚至彻夜未眠,去到印刷店请教关于数字印刷的知识,于是创作出了作品《6ICONS》(1989年)。那是我在博报堂第一次使用Mac制作数字化海报。

大阪时代设计的「6ICONS」、独立后首次项目「SMAP」、新西兰的葡萄酒「ワイマラマ」等作品

进入博报堂4年后,我终于实现了与大贯先生一起工作的梦想,同时我也意识到了自己原先存在的误区。在那之前,我以为广告是做出来的,就是把自己的想法和创意附加到商品和企业之上。但是大贯先生认为广告并不是自我表现。那之后,本田的小型货车“Step WGN”('96~'04年)的广告便诞生了。该广告精准把握住家庭汽车的本质,以“和孩子一起去哪儿?”为主题,描绘了和孩子一起开车出门的快乐理念。博报堂时代最大的收获就是让我明白了“答案在对方心中”。在那之前,项目有时顺利,有时不顺利,我一直不明白其中缘由,烦恼了5年,但意识到这一点之后,一切都开始变得顺利,工作评价也完全改变了。

我在博报堂工作了11年,最后一个项目是“麒麟柠檬”(2000年)。从商品开发到广告战略,麒麟柠檬是我从一开始就一直跟进的。当时的广告代理公司,很少有与品牌设计(建立)相关联的项目机会,通常只有广告。所以麒麟柠檬对我来说是第一个商品品牌项目。从品牌设立起就介入其中,以前做的都像是在鞋子上挠脚的感觉,这是第一次有了直接接触到脚般的体验。我想用设计的力量来进行品牌设计等更广泛的活动。

在汽车的广告中,商品的照片竟然可以放这么小?——让人大吃一惊的本田的“STEPWGN(步进式旅行车)”广告。广告词为:“和孩子一起去哪儿?”,凭借和孩子一起开车出行的快乐理念,创下了迷你车No.1(1997年)的销售业绩。

举办55年来的回顾展作为总结

2000年,我独立出来成立了SAMURAI。接到的第一项工作便是国民组合“SMAP”的企划。和TAGTAT的多田琢先生合作,从CD封面、演唱会周边的设计到广告,我都亲自参与了策划交流的全部工作。SMAP的企划仅用红、蓝、黄三种颜色的图像表现,并将街头本身作为媒介,这也是我期待已久的工作。并且,它的效果简直就像在第一次击球席上打出满垒全垒打一样。我一直负责SMAP的视觉形象工作直到他们解散,一共17年。

此外,至今为止,我还亲自参与了许多项目,如在教育领域首次与建筑师合作的“富士山公园”(2005年)项目、地方再生 “今治毛巾”(2007年)项目的品牌设计等。此外,我出版了著作,并担任了庆应义塾大学SFC的特聘教授,有建筑人员参与的空间设计服务也趋于正规化,工作的范围渐渐扩大。

然后是2016年。这一年对我来说是个节点。我有幸被任命为文化厅文化交流使,次年去到了纽约、伦敦、巴黎三个城市,向世界传播日本的文化。此外,我还被选为“ARITA 400 project”的嘉宾艺术家,在制作有田烧的作品时,我一直封印着的创作家魂开关被“啪”地一声打开了。其实在此之前,“艺术家性”是被我特意封印着的,所以真的是久违了的感觉。关闭着的频道打开了,这也和本次的“佐藤可士和展”有着一定的关联。

继三宅一生先生、安藤忠雄先生之后,国立新美术馆的个展

2016年,国立新美术馆提议举办个展时对我说:“2016年是时尚设计师三宅一生先生,2017年是建筑设计师安藤忠雄先生,2020年的时候就该佐藤可士和先生了。”这是我一直憧憬的地方,所以非常开心。能在国立美术馆办展,可以说是历史留名了。也从侧面证明了:我持续了30年的设计工作、所提供的品牌服务和设计的价值获得了公众的认可。但,当我看到2000㎡的展厅的瞬间,老实说也产生了困惑。我的作品并不能像画一样进行展示。

展览现场

例如,logo可以说是我工作中代表性的一部分。logo本身是数据,我该用怎样的载体、怎样的展陈方式才好呢?既有像今治毛巾那样的的5mm的小标签,也有像优衣库的室外店招那样即使取下来也拿不过来的大型标志。于是我借用了东京近郊的仓库,建造了和展厅一样高的展墙,一边模拟一边从头开始制作大部分的作品。以迄今为止的作品为基础,逐一思考与其匹配的素材、载体、以及展陈方式,并追加了新的创意。

为了让不同年龄层的来馆者都能享受展览,我们的目标绝不只是介绍项目,而是通过展览传达作为一个创作者在思考着什么、在制作着什么。每个展厅都有各自的主题,而宽敞的展厅本身就是一部作品,从中能了解我——佐藤可士和作为创作者的思考与成长轨迹。请大家务必去到会场,亲身体验一番。

在东京近郊借的300坪的仓库里,建造了和展厅一样高的展墙,地板也选用了尽可能接近的材质。花费2年半时间进行原尺寸模拟。

佐藤可士和展

展期:2月3日(三)~5月10日(周一)

场馆:国立新美术馆企画展示室1E(東京都港区六本木7-22-2) 

TEL:03-5777-8600 

开馆时间:10:00~18:00(闭馆30分钟前可入馆) 

休馆日:周二、2/24(2/23、5/4开放)

票价:¥1,700 

※指定日期入场制。须在网上提前预约入场。


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